CLÁSICOS CONTEMPORÁNEOS

OBRAS IMPRESCINDIBLES (1ª parte)

[por Luís Fermín Gómez]

¿Qué tal si hacemos un poco de memoria y descubrimos o redescubrimos una serie de discos imprescindibles? Esta es la idea que se me ocurrió, y que me ha dado tantos dolores de cabeza. Tantos, que me ha sido imposible elegir un número adecuado de álbumes en relación con el espacio disponible para el artículo, así que, aquí va esta primera parte que tendrá su continuidad en el próximo número de Wakan. De hecho, cada uno de estos discos merecería un artículo por sí mismo, pero bueno, simplemente se trata de hacer una pequeña (pequeñísima) aproximación a obras básicas que se convirtieron en clásicas con el paso del tiempo o incluso al instante de su publicación.  Sí, ya sé que falta aquel grupo, músico, o disco fetiche tuyo que has escuchado 1000 veces y que incomprensiblemente el autor ha omitido, ya sea por olvido o por desconocimiento, así que, disculpas de antemano, ¿ok?. Quizás en la segunda parte del artículo salga tu disco favorito y podrás dejar de maldecirme. Un poquito de paciencia, que tres meses pasan volando. No están todos los que son, pero si que son todos los que están. Que comience, pues, el viaje en el tiempo.

 

ELVIS PRESLEY

Elvis Presley (1956)

Cierto es que Bill Halley y Little Richard llegaron un poco antes que "el rey", pero este disco está considerado por muchos (injustamente) como el nacimiento del Rock and'Roll; o por lo menos, como la grabación que hizo que el publico blanco se fijara por fin, y sin complejos en la música de los negros. Se acabaron las letras y ritmos depresivos y tristones del Blues y del Rhythm and Blues de los afro-americanos (la esclavitud estaba todavía presente en la forma de interpretar música de todos ellos). A partir de ahora, se fusionarían estos estilos negros con el country blanco, apareciendo así el Rock and Roll, cuya filosofía no sería otra que la diversión. Un chico guapo, joven, blanco y de movimientos de caderas sensuales lo puso todo patas arriba. Y es que, a parte de ser el mejor intérprete de Rock de la historia, el atractivo físico de Elvis hizo que las damas perdieran los papeles en público como nunca lo habían hecho. El concepto de "groupie" adquirió a partir de aquí su significado más sucio, permaneciendo así hasta la actualidad. ¡Dios salve al rey!

 

 MILES DAVIS

Kind of blue (1959)

El disco de jazz más vendido de la historia, y una obra maestra absoluta. Y es que, la formación que llevaba el gran Miles en esta época (su segundo sexteto) es irrepetible: John Coltrane en el saxo tenor, Cannonball Adderley en el saxo bajo, Bill Evans al piano, Paul Chambers al bajo y Jimmy Cobb en la batería. ¡Casi nada! Un Davis recién desintoxicado de su adicción a la heroína volvía a revolucionar la manera de interpretar jazz como ya lo había hecho 10 años antes con "Birth of the cool", y como lo seguiría haciendo hasta su muerte. En esta ocasión, la novedad estaba en la improvisación sobre notas concretas y no sobre acordes cerrados como se hacía hasta ese momento, creando así unas infinitas posibilidades de expresión para los solistas. La sensualidad, los ritmos pausados, y la importancia de los silencios de este primer disco de "Jazz modal" han sentado cátedra. Años después volvería a ser precursor, al crear el "Jazz Fusión", para desesperación de los puristas del género, que ya no sabían si estaban ante un genio o ante un loco, aunque esa, y utilizando una frase fácil, es otra historia.

 

BOB DYLAN

Bringing it all back home (1965)

 Era evidente que Bob Dylan tenía que estar presente en este artículo. Lo verdaderamente complicado era elegir un sólo disco del judío de oro. ¿Debería poner el clásico "Highway 61 revisited" (1965)? ¿Quizás el gran "Blonde on blonde" (1966)? ¿o el espeluznante "Blood on the tracks" (1975)?. Finalmente me he decantado por este imprescindible "Bringing it all back home" (quinto de su discografía) porque fue el primer disco en el que Dylan grabó con una banda eléctrica. ¿Qué supuso eso? pues la invención del Folk-Rock. Hubo mucha gente que se le tiró encima. ¿Cómo es posible que uno de los puntales Folk norteamericanos se pasase al Rock, empezara a ser ídolo de rockeros y cambiara la temática "protesta" de sus letras? La respuesta es clara: Dylan siempre estuvo un paso por delante de sus contemporáneos y supo ver como nadie el devenir musical y social de los siguientes años. Renovarse o morir. Blues, Rock y Folk se fusionan de una manera increíble en un disco en el que Dylan empieza a escribir sobre sus demonios internos, dejando de lado, en parte, los demonios del mundo que le rodeaba en aquella época. "Subterranean homesick blues" y "Mr Tambourine man" son sólo dos motivos más para acercarse a esta gran obra, a estos 11 temas imprescindibles divididos en eléctricos (cara A) y acústicos (cara B).

 

 THE JIMI HENDRIX EXPERIENCE

Electric ladyland (1968)

 Hendrix y su banda sólo grabaron tres discos en estudio antes de la muerte de éste en 1970 a los 27 años. Aquí tenemos el último... y el primero en el que el guitarrista puede dar rienda suelta a toda su imaginación, ya que en los dos discos anteriores (los increíbles "Are you experienced?" y "Axxis: bold as love") el productor no permitió que las canciones excedieran de los 5 minutos. Aquí en cambio, Hendrix tomó el control, y pudo grabar auténticas jam sessions y experimentar con el blues, la psicodelia y el acid rock como no había podido hacer del todo hasta ese momento, llevando al oyente a un viaje de sensaciones difícil de definir. Desde la polémica portada, pasando por el increíble sonido de wha-wha de "Still raining still dreaming" o "Voodoo child (slight return)", la mítica versión del "All along the watchtower" de Dylan, o las largas improvisaciones de "Voodoo chile" y "1983", este disco es de imprescindible escucha para entender el desarrollo del sonido de la guitarra eléctrica, en manos del mejor guitarrista de la historia. Un recuerdo también para su banda: el bajista Noel Redding, y el recientemente fallecido batería Mitch Mitchel, que supieron entender como nadie el arte del mago de las seis cuerdas.

 

THE BEATLES

White Album (1968)

Elegir un disco de los Beatles es, al igual que elegir uno de Dylan o de Led Zeppelin, complicadísimo. Los de Liverpool tienen casi tantas obras maestras como discos en su discografía. Es increíble lo que lograron crear, y la manera que tuvieron de progresar musicalmente en sólo siete años de carrera discográfica. El doble disco que nos ocupa, llamado realmente "The Beatles", aunque conocido por todo el mundo como "White album" por motivos obvios, supuso el principio del fin de la banda; y es que, la señora Yoko Ono empezó a hacer acto de presencia más de lo deseado. Las tensiones existentes en el grupo les hizo viajar a la India para asistir a un curso de meditación, durante y debido al cual (en parte) se compuso el disco. ¿Las canciones? Más variopintas que nunca. 30 temas dan para mucho. De un plumazo podemos pasar de cosas tan hermosas como "Dear Prudence" o "Black Bird", a auténticos viajes de ácido como "Revolution 9" (impagable canción). El Rock n´roll está presente en "Birthday" o la bestial "Helter Skelter" (¿como sobrevivieron las cuerdas vocales de McCartney a semejante bomba de neutrones?), al igual que el blues ("Yer Blues", "Revolution 1") o las archiconocidas "Back in the USSR" o "While my guitar gently weeps" (la mejor canción que compuso Harrison en toda su vida). Una obra de arte del siglo XX que merece ser descubierta sin prisas, y que te va atrapando irremediablemente.

 

BLACK SABBATH

Paranoid (1970)

 Heavy Metal = Black Sabbath. Así de claro. Ozzy Osbourne, Tony Iommi, Geezer Butler y Bill Ward son los padres de la criatura, los inventores de un estilo que no existía, y una de las bandas más influyentes de todos los tiempos. Tras dejar a todos de piedra con su homónimo álbum de debut (en el que se incluye la canción "Black Sabbath", la pieza musical más tenebrosa de la historia), los ingleses se sacaron de la manga el que posiblemente es su mejor disco (sus seis primeras obras son imprescindibles), y en el que nos encontramos con clasicazos como "War Pigs", "Paranoid", "Iron man" o la lisérgica "Planet caravan". La colección de riffs históricos de este álbum es increíble. Al guitarrista Tony Iommi nunca se le ha acabado de reconocer, más allá del mundo del Heavy, toda su grandeza, originalidad e importancia en el mundo de la música. Merece estar al lado de Hendrix o Page, por poner sólo dos ejemplos, como uno de los más grandes. Si a esto le añadimos la extraña y genial voz de Ozzy, la imponente base rítmica del tándem Butler-Ward, unas letras a medio camino entre el realismo y la psicodelia donde la condición humana no sale muy bien parada, y unas composiciones oscuras e hipnóticas llenas de matices, llegamos a la conclusión de que Black Sabbath son imprescindibles para cualquier amante de la música que se precie de serlo. Como dijo el músico-actor norteamericano Henry Rollins: "en esta vida sólo puedes confiar en ti mismo y en los seis primeros discos de Black Sabbath". Pues eso.

 

 MARVIN GAYE

What´s going on (1971)

 El mejor disco Soul de la historia. Tras diez años en la famosa compañía Motown (artífice del éxito de decenas de artistas negros), Gaye decide empezar a distanciarse de las normas y temáticas habituales de la casa, y factura un disco 100%  político-social producido por él mismo. Drogas, medioambiente y políticos corruptos, con la guerra del Vietnam de telón de fondo, son el punto de mira del cantante en estas nueve canciones atemporales, que hicieron abrir una nueva etapa para la música Soul. La sensualidad habitual de su voz, mezclada con unos textos durísimos, hacen de "What's going on" un disco muy especial. El hecho de que su hermano fuera un ex-combatiente en Vietnam, hizo que Marvin Gaye se replanteara las letras de sus canciones de una manera bastante radical, acercándose, en este sentido, a la ideología hippy imperante en la época.  De hecho, éste es un disco conceptual sobre la guerra y toda la locura que la rodea. Locura que él mismo vivió desde niño en casa, y hasta el día de su muerte, ya que en 1984 Marvin Gaye moría asesinado de un tiro disparado por... su propio padre (!!!!), un predicador conservador ortodoxo que nunca llegó a entenderse con su rebelde hijo.

 

 LED ZEPPELIN

IV (1971)

 A finales de 1971, Led Zeppelin decidieron editar su cuarto disco, sin título y sin ninguna referencia a la banda ni en la portada ni en la contraportada. Los fans lo llamaron "Led Zeppelin IV". Consiguieron convencer a Atlantic Records, que lo consideró un suicidio comercial, y lograron crear todo un misterio alrededor del mismo. Cada miembro de la banda adoptó un símbolo, con un significado que sólo ellos conocían (  = Jimmy Page, John Paul Jones, John Bonham y Robert Plant) y que a partir de ese momento sería su seña de identidad. Este es el disco de "Stairway to heaven", para muchos, la mejor canción de todos los tiempos, aunque la grandeza de las ocho canciones que componen esta obra maestra (y ya iban cuatro... y quedaban tres más por venir!!) es tal, que este dato se queda casi en anécdota. Esa mezcla de blues, folk y rock que siempre les caracterizó, alcanzó aquí unos niveles de leyenda. Led Zeppelin se volvían a reinventar de nuevo, y dejaban claro que eran la mejor banda del planeta; por no hablar de sus conciertos, que se convirtieron desde ese momento en rituales que podían llegar a durar cuatro horas. Led Zeppelin, la banda con la discografía más sólida de la historia del Rock, con permiso de los Beatles, claro.

 

 ROLLING STONES

Sticky fingers (1971)

 Los Rolling Stones son al Rock n'Roll lo que el pan a los bocadillos. ¿Cuantos artistas pueden sacar a lo largo de su carrera cuatro obras maestras absolutas, y consecutivas, no sólo de su discografía, sino de la música en general, del calibre de "Beggars banquet", "Let it bled", "Sticky fingers" y "Exile on main street"?. Pocos, muy pocos. Para muchos, este es el mejor disco de la banda, y desde luego, motivos hay para decir algo así. Ante canciones como "Brown sugar", "Wild horses", "Bitch", "Sway" o "Dead flowers" sólo queda ponerse de rodillas. Este fue el primer disco de Mick Taylor a la guitarra, sustituyendo al fallecido Brian Jones. También fue el primero en el que aparecería el mítico símbolo de la banda, la famosa boca con la lengua fuera, vamos. Por no hablar de la portada de Andy Warhol. ¡Vaya portada, amigos!. Unos tejanos ceñidos, con el paquete bien marcado, y con una cremallera de verdad que podías subir y bajar. Combinado con el título del álbum ("dedos pegajosos") estamos ante una de las portadas mas explicitas y guarras jamás diseñadas. Sublime. Pura Rock n' Roll attitude!!!

 

MICHAEL JACKSON

Thriller (1982)

 Billie Jean!!!!!! La mejor canción pop de los 80, y una de las mejores de todos los tiempos. Sólo por este tema ya vale la pena "Thriller", aunque hay mucho más, por supuesto. Tras el éxito de "Off the wall" (1979), el productor Quinzy Jones y el ámigo Jackson empezaron a trabajar en el que se convertiría en el disco más vendido de la historia (más de 100 millones de ventas a día de hoy), engrandeciendo los sonidos funk-soul-disco-poperos de su predecesor y añadiendo algo de Rock, creando así un clásico absoluto. Apoyado por una campaña publicitaría bestial: en forma de singles (siete de los nueve temas lo fueron), colaboraciones de lujo (Paul McCartney en "The girl is mine", el actor Vincent Price en "Thriller" y el gran Eddie Van Halen haciendo un sólo de guitarra en "Beat it") y el archiconocido videoclip de "Thriller", y con unas canciones irresistibles, podemos considerar el álbum como un verdadero hito de nuestra época... y la cosa no acabó aquí, ya que el rey del pop nos volvería a sorprender en 1987 con otra obra maestra, el gran "Bad", un disco que, sin duda, está a la altura de "Thriller" y que también hay que reivindicar.

....TO BE CONTINUED

[Luís Fermín Gómez]

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